列奥纳多·达芬奇

（1452~1519）

(相关资料图)

在艺术史的万神殿中，只有一小部分人物才能与列奥纳多·达·芬奇相提并论。作为“文艺复兴时期人”的化身，达芬奇在新兴的人文与科学领域寻找新的知识。作为意大利文艺复兴高峰期的“文艺复兴三杰”之一，直到今天依旧凭借他最伟大的杰作而被人们所熟知。他的一系列关于科学、艺术的笔记以及绘画都证实他作为同时代最有成就博学家的声誉。

个人成就

对知识的渴望让达芬奇在人文与科学领域都表现出色，但他还是作为一位画家，获得了最多的赞誉。神秘的《蒙娜丽莎》、个性独具的宗教壁画《最后的晚餐》以及精确的解剖图《维特鲁威人》让他闻名于世。这些价值连城的作品是有史以来最为人所熟知的图像之一。

达芬奇对绘画细节的细致关注让他发明引入了新方法，并超越了文艺复兴早期大师的自然主义技巧。其中最具影响力的是他标志性的晕染法（sfumato），在这种绘画方法中，达芬奇混合了各种颜色来模糊——或者说“烟熏”——人物、面部特征和物体的轮廓。晕染法取得了如此真实的接近照片的效果，它对现在被称为文艺复兴晚期的时代的诞生做出了重大贡献。

达芬奇大量的笔记本中记载了他旺盛的求知欲和想象力所产生的许多想法和发明。其中包括科学图表（预测未来的发明，如降落伞、直升机和军用坦克）、解剖学和植物学草图和绘画，以及他关于绘画的哲学思考。正如艺术历史学家贡布里希所说，“人们读得越多，就越不可能理解一个人是如何在所有这些不同的研究领域表现出色并为所有这些领域做出重要贡献的”。

达芬奇设计了几个雄心勃勃的建筑。在米兰，他设计了一条32英里长的巧妙水道，连接米兰和科莫湖。他还设计了壮观的双螺旋中央楼梯（两个螺旋缠绕在一根玻璃柱上，让客人不用经过就可以互相确认）。通过将自己的创造性视野与更实际的解决问题的技能相结合的能力，达芬奇还帮助建立了几个世纪以来流传下来的建筑原则。

主要作品及简介

基涅弗拉·德·奔茜肖像

《基涅弗拉·德·奔茜肖像》是达芬奇在20岁出头的时候画的，是他最早的作品之一。这为我们提供了他标志性的肖像画技巧的第一个例子。在此，达芬奇放弃了传统的“半脸”侧面姿势，改为四分之三的姿势。通过四分之三的轮换，莱昂纳多给了我们一个更完整的面部肖像，将描绘对象的个性置于他们的地位之上。这是一种人文主义的处理手法，将定义他未来的肖像画，包括《蒙娜丽莎》等作品。

岩间圣母

这幅画展示了圣母玛利亚，婴儿版的基督和施洗者约翰，以及大天使加百列。和其他文艺复兴时期的艺术家一样，达芬奇对以更自然的方式呈现众所周知的宗教叙事感兴趣。在这里，达芬奇用富有动感的形式来描绘四人坐在一片神秘的风景中，展示了他对画面透视的精确把握与掌控。背景中荒凉的岩石和静谧的水面补充对比了前景中亲密的群体，赋予了叙事梦幻般的质感，同时给场景注入了天堂和人类的感觉，换言之，精神与物质间模糊的边界。

作品采用了文艺复兴时期艺术家中常见的三角形构图，但达芬奇对解剖运动和流动性的完美理解与运用提升了人物的自然运动感。他们的手势和眼神也创造了一种极具创新性的动态人际互动。同时，达芬奇的晕染法体现在色彩和人物轮廓的自然融合上。这种技术带来了更高的强度和更逼真的景深。这幅画也是使用油画颜料的早期例子，油画颜料在意大利相对较新，使艺术家能够更好地捕捉到如此复杂的细节。

抱银鼠的女子

米兰公爵卢多维科·斯福尔扎委托达芬奇制作了这幅肖像。达芬奇在画中描绘了斯福尔扎十六岁的情妇塞西莉亚·加莱拉尼（斯福尔扎当时年近三十）。她向右凝视，好像她的注意力被画框外的东西吸引了一样。她有一副沉静的样子，这对于一个如此温柔的年轻女士来说是非同寻常的。略带羞涩的微笑似乎表明了她对自己在法庭上的地位的信心，以及她天生美丽的力量。她手里拿着一条貂皮，这是斯福尔扎纹章中使用的毛皮。貂皮是纯洁的象征，它的加入很可能代表了塞西莉亚对公爵的忠诚。据说在公爵活着的时候，他走到那里都会带着这幅画。

达芬奇在这部作品中的天才表现在他捕捉到人物复杂心理的方式上。事实上，她的四分之三的姿势和手势对于当时的肖像画来说是非传统的。与此同时，莱昂纳多对人体及其动作和表情的科学研究使他能够表现出吸引观众的微妙的人类潜台词，并邀请他们进入主题的亲密心理世界。正如艺术评论家萨姆·利思所说，“仔细看这幅画，你会发现她身上确实有生命的气息，只是被一种噪音分散了注意力，沉浸在一个活生生的时刻。”

维特鲁威人

在这幅画的附文中，达芬奇描述了他研究人的比例的意图，正如公元前一世纪罗马建筑师维特鲁威在他的论文《建筑论》中所描述的那样。维特鲁威利用他自己对比例匀称的人的研究来影响他的寺庙设计，认为对称对古典建筑至关重要。达芬奇将维特鲁威作为他自己解剖学研究的灵感来源，并进一步完善了他的测量方法，纠正了维特鲁威一半以上的原始计算。相对比例的概念影响了文艺复兴时期的建筑（及其后），它是在教堂中创造世俗与神圣和谐的概念，也是在宫殿和宫殿住宅中创造世俗和谐的概念。

最终，《维特鲁威人》是一部关于人体的数学研究，突出了比例和对称赋予我们的平衡本质，这一理解将为达芬奇在艺术和建筑领域的所有成果提供信息。它还强调了文艺复兴时期人文主义的目标，即将人与自然联系起来，并将人作为世俗（方）与神圣（圆）之间的纽带。当然，这也展示了这位艺术家对科学和数学的透彻理解，以及他在绘图方面的卓越表现。

最后的晚餐

米兰公爵卢多维科·斯福尔扎委托达芬奇以《最后的晚餐》为圣玛丽亚修道院的餐厅设计。它讲述了圣经中著名的故事。耶稣在受难前与门徒分享的最后一餐饭，他告诉门徒他们中的一个会背叛他的那一刻的画面。当犹大站在阴影中，手里拿着他因背叛而收到的装有银币的钱包时，每一位使徒都分别表现出不同的惊愕和怀疑的表情，当时达芬奇被允许将一名罪犯从监狱带到他的工作室，以犹大的身份做模特。耶稣占据了画面的中间部分，伸手去拿面包和一杯葡萄酒，指的是圣餐。在他身后，透过窗户可以看到一幅理想化的风景，也许暗指天堂，而这三扇窗户可能代表着神圣的三位一体。

复杂的细节，再加上单点透视的使用，将耶稣置于绘画空间的核心，所有其他元素都从中散发出来，预示着文艺复兴晚期艺术的一个新方向。此外，透视法则中消失点技术的使用加强了这幅画的位置和背景，让艺术品融入空间，仿佛它是修女用餐区的自然延伸。艺术史学家贡布里希在谈到这幅画时说：“这件作品中没有任何东西与同一主题的旧作品相似。在这些传统版本中，使徒们安静地坐在一排的桌子旁，只有犹大与其他人隔离，而基督则平静地分发圣体。这儿的画面里则充满了戏剧性和兴奋。达芬奇和他之前的乔托一样，回到了圣经的文本当基督说：“我实在告诉你们，你们中间有一个人要出卖我。”。

救世主

据说法国国王路易十七在1499年征服米兰后委托达芬奇画的这幅画。这幅画描绘了耶稣作为世界救世主和宇宙主宰的形象。他举起右手，伸出两根手指，向上帝祝福。他的左手拿着一个水晶球体，代表着天堂。

这是一幅不同寻常的肖像画，因为它试图以人道主义的方式展示了基督，他穿着当代文艺复兴时期的服装，直视着观众。这也是一幅半身肖像画，与当时的全身肖像画截然不同。耶稣对我们的“亲近”赋予了这张脸一种强烈的亲密感。这幅画代表了对达芬奇标志性技法的精通。通过晕染法获得的凝视的柔和，赋予了耶稣一种精神品质，吸引了观众的崇敬，而耶稣的脸包含了一种情感和表现力，这是由艺术家敏锐的精确性与技巧所定义的。耶稣身后的黑暗与耶稣裸露的上胸部发出的光线形成了对比。因此，尽管他的外壳是人道主义的，这幅画仍将基督描绘成一个令人敬畏的“光明使者”。

蒙娜丽莎

蒙娜丽莎，据说也是丽莎·格拉迪尼的肖像，她是佛罗伦萨商人弗朗西斯科·德尔·乔孔达的妻子。她坐在椅子上，一只手臂放在椅子上、一只手放在她的手臂上。晕染法的使用创造了一种柔和的平静感，这种平静感源于她的存在，并注入了背景。关于它的位置来源，人们有很多猜测，但更广泛的解释是，它是虚构的，是达芬奇脑海中诞生的一种构图（这也可能暗示我们进入了蒙娜丽莎梦幻般的内心世界）。但让观众目瞪口呆的当然是蒙娜丽莎神秘的表情，以及那标志性微笑背后隐藏着什么的永恒神秘。《蒙娜丽莎》也是达芬奇画得最多的一幅画，因为他一直把它带在身边，时不时就会画上两笔。

当时的肖像画侧重于呈现人物的外表，主体的个性只通过象征性的物体、服装或手势来暗示。然而，达芬奇想要捕捉的不仅仅是肖像。他想展示她的一些灵魂，他通过强调她独特而非传统的微笑来实现这一点。正如贡布里希所观察到的，“我们看到，达芬奇非常谨慎地使用了他的晕染法手法。每个试图画或乱画一张脸的人都知道，我们所说的脸的表情主要取决于两个特征：嘴角和眼角。现在，正是这些部分被达芬奇故意模糊，让它们融合成柔和的阴影我们从来都不太确定蒙娜丽莎到底是什么心情看着我们。她的表情似乎总是让我们难以捉摸”。

达芬奇的画可能是历史上最著名的一幅画。它启发了许多艺术家。拉斐尔在1504年用它作画，而无数作家都写过她，包括19世纪的法国诗人西奥菲勒·高蒂尔，他称她为“微笑如此神秘的狮身人面像”。她是许多流行歌曲的主题（最著名的可能是纳特·“金”·科尔的《蒙娜丽莎》），蒙娜丽莎抽着烟斗，向1919年马塞尔·杜尚展示了她留着胡子和胡子的肖像。1954年，萨尔瓦多·达利创作了《蒙娜丽莎》的自画像，1963年，安迪·沃霍尔在其开创性的丝网作品《蒙娜丽莎》中加入了《三十比一》。她的形象也被无休止地复制在明信片、日历、海报和其他各种商业产品上。

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